​      刚刚过了春节，又传来了春消息。

中国画之所以能够传承几千年，不断迸发，自有其道理。一则系它有深厚的思想滋养，是从丰厚的传统文化土壤里茁壮成长起来的，而不是单个的孤根独苗，中国画其实乃哲学的绘画、文化的绘画、艺术的绘画之集大成者；二则赖它原汁原味原生态的毛笔、墨汁、宣纸的特殊功效，虽然它们的形状、功能，甚至连称谓也几千年不变，但纸短笔小，墨色清醇，照样能够表现出描绘大千世界的超然力度，这是值得深思的；三则靠作画人的挥毫功夫，描天绘地也好，写心求意也罢，自古江山代有新人出，形成长江后浪推前浪之涌潮之势，一泻千里，浩浩汤汤。来自皖地珠城的来支钢犹如一匹黑马在笔墨乾坤里翱翔，跃然飞出，有冲劲之猛如横刀立马，有沉思覃尽似沁入心脾，可谓时代先锋也。

山水画是中国传统水墨画的一种，以描绘自然景色来实现古人的“澄怀观道”，试图把山水融入人的精神世界，追求“天人合一”的理想，写照出东方哲学的一种精神和韵味。来支钢的绘画所呈现出的气势和研理确乎达到一个高度和深度，体现出中国画所蕴含的内在精神和欲求表达的外在旨趣。从作品可以看出，他的创作有全身心的融入，有物我交流的过程，有潜意识、思想和观念的砥砺，融入了视觉（自然）的可见，截取了思维（哲思）的进步，添加了人文（文化）的增持，画里画外透出顺乎自然、超乎自然的入眼，具有既赏心悦目又有让人驻步端详的法力，如美味余香而令观者耐人寻味。从崇山峻岭的伟岸到云雾萦绕的烟云雾状，既是自然世界的借步写照，也是笔墨技法的灵活运用，更是心像臆造的感情抒发，这就对绘画进行了一个改造，一个由量到质的转变与提高，亦即从形而下的物理性的运动上升到形而上的精神性运动，体现出“美是理念的感性显现”（黑格尔语）的创作倾向和审美意义。他的画之所以耐看，还让人寻思，产生出审美的咀嚼不已，皆得益于所蕴藏的美学元素。

来支钢的绘画底盘是中国画的水墨章法，其独到的表现手法是积墨技法，其理念追求的核心是墨象的原汁原味。其中，积墨之于他是极为重要的，积墨是他寻找到的一条他既心仪又适用的艺术途径，墨像的显现岂是仅仅笔力所致，当有心力运筹。古人云“墨分五色”，在我看来，何止是五色，实是“万紫千红”。墨有浓淡，深浅，厚薄，强弱，明暗，甚至还有力学上的度的张力，更不消说心神上的气势和贯通肺腑的荡气回肠。来支钢通过墨色的变化表现出物体的质感、量感、空间感，达到兼具视觉上与意境上两种维度的丰富。画面或淡薄如羽的白云，或厚实凝重的黑雾，或坚如磐石的崇山峻岭，或深邃无边的浩瀚空濛，把积墨技法运用得娴熟，把修养深厚禅理得省悟，雄浑之美和水灵之秀各具姿态，形象强劲而富有内力，技法成熟而又深邃其中，表现出中国画家所信奉并乐意表达的传统精要、文化精髓、中华精神和民族灵魂的诸多元素。放眼观去，他的作品好像由不得分说，画得中国画就像中国画，画得水墨画就像水墨画。一句话，中国画味道十足！对应一个中国画画家，坚守了中国画的旨意，保持了中国画的正道。在追求绘画的创新发展中，来支钢用他具象的墨色、墨形、墨意，传达出道法自然的水气、灵气、仙气，使其创作过程及其作品物我相融、形神皆备，力求于存在与意识的相知和相谐。作品有味，天高云淡飘逸劲爽，群山逶迤鸾漂凤泊，空灵静谧沉雄秀美，进而形成了秉持中国画精神、发挥水墨画优势、彰显表里和谐审美，并且属于他的“来式山水”。这种从常规化的、程式化的绘画传统中脱颖而出的化蝶与突破，无疑是符合艺术永恒创新发展的本质和规律的，作为一种尽显水墨张力的新兴绘画样式的展露，当可以看作为时代发展的产物和文明进步的结果，具有崭新的意义，可喜！

鲁道夫·阿恩海姆在《艺术与视知觉》中表达的基本观点是“一切知觉中都包含着思维，一切推理中都包含着自觉，一切观测中都包含着创造。”看到来支钢的作品，不由得也想起他自己对艺术崇敬的虔诚与膜拜：“艺术是最能忽悠人的，艺术也是最忽悠不了人的。”显然，他认识到创造美是一件很难很难的事，所以他别无选择，只有埋头苦干，只能砥砺前行，力图扎扎实实地用作品说话，使劲言之凿凿地拿作品论理。所以，今天呈现在大家面前的作品，是他在“积墨”路上探索和耕耘几十年的成果。人的生产活动有一种“内在尺度”，当然不是客观自然物的固有美的形式，而是置于艺术语境中人的感性活动所存在的尺度，它就是马克思所言的“美的规律”。我在高校当了十几年的院长，从艺了八十载，就培养人才而言，看到来支钢这样的优秀画家是深感欣慰的，从他身上看到了中国画百尺竿头更进一步的希望。创作要推陈出新，艺术要不断发展，靠什么呢？还是要依靠悉心教育，精心培育，共同扶持，尤其需要一个适合并有利于人才培养机制的社会环境。这不是一个人的问题，全社会都要关心和关注这个人才培养的头等大事。

时光荏苒，斗转星移，今天的中国画已然成为一种中国的特有文化，甚或说一门显学。只要看看画家和作品的体量，再看看中国画发展的蒸蒸日上，谁都会高兴不已。但是，如果我们冷静地思考一下，理性地揣摩一下，尤其从大国地位、大文化视野、大艺术角度出发，我们的艺术界是否仍然存有值得我等同僚深思的大问？科学界有个著名的“钱学森之问”，它总是萦绕于我的脑海。虽在耄耋之年，老夫聊发少年狂的我，禁不住也屡屡扪心叩问：中国的艺术大师何在？中国的伟大作品安在？摆在世人眼前的现实是，真正像吴昌硕、林风眠、徐悲鸿、齐白石、潘天寿、黄宾虹、张大千、董希文、刘海粟那样的绝代宗师毕竟远离我们太久、太久了！

谈到这里，联想起我敬重的学界前辈丰子恺先生的一段话，它阐述了画家与画作的关系、主观与客观的联系，以及有关美育意义的艺术哲思。他说得言简意赅，但极富哲理，把它放在这里作为本文的结语颇合吾意。“艺术倾向于客观的时候，艺术家的人与其作品关系较少。反之，艺术注重主观表现的时候，作品与人就有密切的关系，作品就是其人生的反映了。在作品中，我喜欢神韵的后者，而不喜欢机械的前者；在人中，我也赞仰以艺术为生活的后者，而不赞仰匠人气的前者。”树老根多，人老话多，啰唆至此，聊以为序。

             肖 峰

中国美术学院原院长、中国美术家协会顾问、

浙江肖峰宋韧艺术院院长、西安市人民政府顾问

         癸卯年早春